luglio 24, 2011
Post-Rock
Il post-rock, genere affermatosi nell'ultimo ventennio, è un concetto difficile da inquadrare. Figlio dello slow-core, della classica, della kraut, del prog, ma anche del jazz e del rock sperimentale. Figlio d'arte insomma. Abbraccia lavori e concetti musicali, spesso, lontani tra loro. Tendenzialmente l'approccio è quello di utilizzare strumenti tipici del rock che non evolvano/involvano nella canonica forma canzone dell'intro-strofa-ritornello-strofa-ritornello-outro.
La ribellione tipica della musica rock viene edulcorata fino a sparire. Chitarre, basso, batterie (e spesso strumenti a corda come violini, viole e violoncelli) si fondono per creare tempeste sonore o delicate poesie androgine. Anche il cantato (laddove c'è) diventa una linea strumentale che contribuisce alla costruzione del cosìdetto "paesaggio sonoro".
1) Dirthy Three - Autentic Celestial Music (Ocean song 1998)
2) Slint - Washer (Spiderlan 1991)
3) Godspeed You! Black Emperor - Providence (F# A# (Infinity) 1998)
4) Rachel's - Southbound To Marion (Handwriting 1995)
5) Sigur Ros - Ba Ba /Ti Ki / Di Do (S/T 2004)
6) Talk Talk - Ascenson Day (Laughing Stock 1991)
7) Labradford - WR (Mi Meia Naranja 1997)
8) Tortoise - Djed (Million Now Living Will Never Die 1996)
9) Mouse On Mars - Bib (Iaora Tahiti 1995)
10) Explotion In The Sky - Firts Breath After Coma (The Earth In Not A Cold Dead Place 2003)
11) Mogwai - Mogwai Fear Satan (Young Team 1997)
12) Rodan - Bible Silver Corner (Rusty 1994)
13) Gatto Ciliegia Contro Il Grande Freddo - Dopolavoro Dancing
luglio 17, 2011
luglio 13, 2011
Andergraun Vibrations/ Spanish Hard Psych & Beyond 1970-1975

Il 1 aprile del 1939 terminava ufficialmente la Guerra Civile Spagnola, dopo che l'estrema difesa delle forze repubblicane capitolò in maniera definitiva con la resa di Valencia. Sarebbe iniziata per il popolo spagnolo la difficile fase storica della dittatura, terminata solo nel 1975 con la morte dello stesso gerarca Franco. Durante la Seconda Guerra Mondiale la Spagna alternò la completa non-belligeranza e una quasi totale neutralità all'aiuto militare nei confronti dell'Asse, in particolar modo sostenendo la causa tedesca a partire dal 1943, quando già si iniziò a percepire che le operazioni belliche stavano volgendo a favore degli Alleati. A ostilità concluse, proprio in virtù di questa partecipazione in "sordina", affianco però della sconfitta Germania, la Spagna si vide imposta dalle nazioni vincitrici un "isolamento" di portata internazionale, che si realizzò concretamente attraverso l'istituzione di un severo "embargo" e l'esclusione dalle Nazioni Unite (Onu). L'isolamento spagnolo terminò nel 1953, quando le crescenti tensioni della Guerra Fredda costrinsero il governo statunitense a cercare nuovi appoggi in Europa, trovando nell' anti-comunismo di Franco un prezioso e ideale alleato. Questo nuovo sodalizio diplomatico comportò diversi accordi di natura economica e nello stesso anno furono firmati anche diversi trattati che permettevano l'apertura di basi militari statunitensi in Spagna, nell'ottica della delicata strategia anti-sovietica. Tra queste, le più importanti furono la Rota Naval Station inaugurata proprio nel 1953 a Cadiz, e l'Air Base a Zaragoza, che sarebbe stata attiva dall'anno successivo. Gli aiuti economici degli Usa consentirono alla Spagna di raggiungere un incredibile sviluppo, noto storicamente come "miracolo Spagnolo"(el desarrollo), ma sul piano strettamente culturale però il "franchismo" significò comunque (e sempre) fare i conti con un clima di ostile "chiusura" verso l'esterno, che si radicalizzò in una rigida censura verso le più disparate attività politiche, sociali,artistiche, musicali, cinematografiche etc...soggette a intransigenti controlli e spesso completamente vietate. Dunque, quando alla fine degli anni Sessanta esplose il movimento psichedelico tanto in America che in Europa, la Spagna non si trovava di certo nelle condizioni favorevoli per sviluppare, in campo musicale, tutto un coacerbo di idee e innovazioni che interessarono invece, e specialmente, gli Stati Uniti, la Gran Bretagna e la Germania.
Sarebbe stato impossibile per la Spagna, sotto quel particolare "clima", il concepimento di qualcosa che anche da lontano avrebbe potuto dialogare con le pioneristiche sonorità della West Coast, del kraut-rock teutonico o della psichedelia inglese, ovvero i paralleli "elettro-acustici" più suggestivi e originali della contro-cultura mondiale. Tuttavia, se in Brasile, nonostante un regime dittatoriale, fu addirittura possibile qualcosa di decisamente "altro" con il movimento culturale del Tropicalismo, in Spagna non ci furono radicali e significative "religioni per la mente", ma di certo, al di là della repressione franchista, arrivò anche lì un po' di quel vento di cambiamento, che Eric Burdon celebrò nella mitica Winds Of Change del 1967. Proprio all'interno di quella "vergognosa presenza americana" sul territorio spagnolo, ovvero l'operosità delle basi militari, è da ricercare (come alcuni documentari hanno ben evidenziato) un possibile motore di scambio culturale, l'apertura di qualche spiraglio per le novità d'oltreoceano. Basterebbe un minimo sforzo per immaginare la spontaneità della scena attraverso la quale un militare americano (o di altro paese europeo), proponendo, durante i momenti di congedo, un disco di Jimi Hendrix, dei Velvet Underground, degli Stones o di qualche gruppo garage, a qualcuno della popolazione locale, semina il germe di un nuovo verbo in un terreno vergine, ma pronto ad essere fertilizzato. Lo stesso ragionamento andrebbe fatto per quanto riguarda le nuove mode e stili dell'abbigliamento, anch'essi pronti a diffondersi lentamennte, come anche le nuove letterature beat (Ginsberg, Burroughs, Kerouac) o "lisergiche" (Huxkley e Leary), che iniziano, di "nascosto", a smuovere un sempre più feroce passatismo culturale. Solo così capiremmo come anche la Spagna franchista, dopotutto, fu leggermente scossa dalla rivoluzione culturale psichedelica. L'antologia Andergraun Vibrations: Spanish Hard Psych And Beyond 1970/1975 edita nel 2005 su vinile dalla Hundergrum Records (e ampliata nel 2007 su cd con riferimento fino al 1978) rappresenta la principale testimonianza di quel "ribelle" fervore creativo, un prezioso documento che ci restituisce il fascino di quella nuova brezza musicale che spirava in terra iberica, che probabimente trovò maggior campo aperto in Andalucia, che aveva già consacrato il flamenco di Camaron e Paco De Lucia, e nell'incanto "cristallino" di Ibiza, anche se alcune delle formazioni inserite provenivano da Barcelona, Madrid o Valencia, e molte di esse si eprimevano in spagnolo o catalano, tanto per veicolare il loro messaggio in patria quanto per affermare una propria dignità artistica.Nella raccolta spicca su tutto il volo della jam elettrica Ad Lib (parte 2) degli Ibiza Sound, che appare anche nell'omonimo 45giri del 1971, l'unica pubblicazione dell'epoca della band, come anche il brano No Hay Tiempo Para Perder degli Skorpis del 1973 (in entrambi i brani si distigue un pregievole flauto). Ibiza fu un centro importante della cultura hippies europea, e non ha caso fu lo scenario ideale per la pellicola More di Barbet Schroeder del 1968, uno dei massimi capolavori del cinema underground dell'epoca, magistralmente musicato dai Pink Floyd. Orientativamente le vibrazioni "andergraun" spagnole si rifanno maggiormente ad un duro hard-prog psichedelico di stampo americano, con interessanti divagazioni verso il rhythm and blues o il garage, con soluzioni non sempre eccezionali ma godibili. I modelli principali sembrano essere formazioni come Steppenwolf, Jefferson Airplane, Iron Butterfly, H.P Lovecraft, Spirit, Animals, Blues Magoos o Tean Years After, senza tralasciare chiari accenti hendrixiani. Ma al di là dei singoli contenuti e di qualsiasi giudizio qualitativo, ciò che va elogiato del sound di queste oscure formazioni, dovrebbe essere piuttosto lo spirito, l'anelito verso il cambiamento; psicologico, culturale, sociale e per "transitività", politico e storico. Lo dimostra l'emblematica scritta del retro copertina "Necesito Expansionarme...No Concibo Vivir Asi" e l'"indole giocosa" di alcuni inserti vocali posti a fine o inizio brano... uno recita "mama... no te das cuenta, si te dejan sola, te pones a hacer psicodelia"...e un altro: "esta es una nacionalización psicodélica muñeca...".Ma l'attesa per un "nuovo vivere" sarebbe stata più lunga nonostante molteplici grida di speranza...
Il 20 Novembre del 1975 Franco morì e la Spagna si preparava finalmente a voltar pagina... Il disco Nuevo Dia del duo flamenco Lole Y Manuel di quell'anno salutava simbolicamente l'avvento di una nuova stagione culturale...nella quale il popolo spagnolo avrebbe conosciuto meglio ciò che in altri luoghi del mondo era già stato conosciuto e metabolizzato...e questo attraverso la sua particolare anima... una fermezza di calore umano e gioiosità i cui influssi positivi sono tutt'oggi percepibili.
luglio 07, 2011
And what exactly is a dream ? And what exactly is a joke ?

Cambridge, pomeriggio di un giorno di fine anni '50. Un adolescente di nome Roger Keith Barrett sorseggia del tè seduto comodamente su una poltrona, mentre ascolta con suo padre dischi di due vecchi bluesmen americani, Pink Anderson e Floyd Council. Il ragazzo, ammaliato da quelle arrochite voci, scortate da note blues rudi e sghembe, chiede in regalo a sua madre una chitarra acustica per il suo quattordicesimo compleanno. Da quel fatidico giorno casa Barrett, ogni sabato pomeriggio, diventa la meta di giovani appassionati di riff, vinili ed erba.
Presto a Roger gli viene affibbiato il nomignolo di Syd come un batterista del posto, suo omonimo, assiduo frequentatore di un locale jazz, il River Side, in cui il ragazzo ogni giovedì sera scruta le movenze, gli accordi e le melodie dei musicisti immersi nelle loro interminabili jam session.
Qualche anno più tardi, nella prima metà degli anni '60, Syd è a Londra: studia arte all’università dato che sin dai tempi del liceo viene assorbito dalla passione per la pittura. Condivide un appartamento con lo studente di architettura Roger Waters, anche lui di Cambridge, una vecchia conoscenza. I due convogliano la loro energia e creatività artistica in una band: i Pink Floyd, connubio dei nomi dei due musicisti che stregarono Syd. Nick Mason alla batteria e Richard Wright alle tastiere completano la formazione.
Il singolo d'esordio Arnold Layne vede la luce nel marzo del '67: è un brano bizzarro scritto da Barrett che narra la storia di un uomo con lo strano hobby di travestirsi da donna rubando abiti appesi agli stendipanni. Il brano andrà incontro alla censura, ma proprio l’intervento provvidenziale di quest’ultima finirà per giovare alla band.
Dopo Arnold Layne, nel giugno del '67, è la volta di See Emily Play che raggiunge in fretta le vette delle classifiche in UK. Il loro nome comincia a circolare in Inghilterra e con trepidazione s’attende il loro exploit, la consacrazione a vera band, la prova del debutto lungo. E' l'agosto del 1967 quando viene rilasciato dalla EMI The piper at the gates of a dawn, il pifferaio ai cancelli dell'alba, album psichedelico che racconta di viaggi spaziali e interstellari, disco i cui solchi sono infestati dalle peripezie di uno strano gatto, uno gnomo e uno spaventapasseri.
Senza dubbio il disco è il manifesto della musica inglese del tempo: canzoni impastate di vividi colori, di acide pennellate, di un’atmosfera fiabesca e onirica. L’album porta per dieci undicesimi la firma del genio di Barrett: è lui l’anima, il trascinatore, il leader dei Pink Floyd.
Durante le registrazioni del disco, negli studi di Abbey Road, Syd conosce John Lennon, impegnato coi Beatles nella lavorazione del loro sergente Peppers. Con Mr. Lennon c’è subito una forte attrazione: condividono oltre alla passione per la musica, quella per l' LSD, una dilagante droga e moda importata dalla West Coast che spopola anche nella Swinging London e nella Londra psichedelica dell’Ufo Club.
Ma il peso del successo raggiunto con la sua mente allucinata comincia a schiacciarlo - sono un uomo pieno di polvere e chitarre – usava dire.
Dopo la disastrosa tournèe americana

- in cui Syd s’accascia sul suo amplificatore, scordando continuamente la sua Fender specchiata per strapparle vagiti lancinanti sovrapposti a suoni evanescenti e intrisi di feedback ed eco, o in show televisivi dove, con fermo atto di derisione del playback, resta impalato con la bocca chiusa, assorto nei suoi viaggi -
la band decide di affiancargli il suo vecchio e caro amico David Gilmour, chitarrista turnista dotato di tecnica sopraffina e di un talento raro.
Syd ormai è solo l'ombra di sé stesso: il continuo abuso di acido, la personalità imprevedibile, offuscata dai crucci e dalle piume da star, e le sceneggiate bizzarre -– l’ultima è la proposta di una nuova canzone dal beffardo titolo Have you got it yet ?, non l’hai ancora capito, in cui invita il resto della band a seguirlo in un estenuante e continuo travisamento del ritmo e della melodia di un’errante marmellata musicale - esasperano Waters a tal punto da proporgli un ruolo alla Brian Wilson, il leader dei Beach Boys: continuare a scrivere e registrare le canzoni in studio, escludendolo dai concerti. Ma la proposta viene rispedita al mittente proprio quando si credeva di averlo convinto. E irrimediabilmente Gilmour rimpiazza, in maniera definitiva, Barrett, dopo una vana prova di formazione a cinque.
E’ il ’68 quando i Pink Floyd voltano pagina pubblicando A saurceful of secret, il loro secondo album. Syd sui titoli di coda scrive il suo toccante manifesto d'addio, Jugband blues, che sigilla la sua esperienza con il gruppo.
Roger Waters ghermisce il timone della nave e con lui inizia una nuova epoca costellata, soprattutto negli anni ’70, da clamorosi successi commerciali che spingono i Pink Floyd sul tetto delle classifiche mondiali.
D’altro canto Barrett scompare dalla scena musicale inglese per poi ritornarci due anni più tardi, nel '70 precisamente. E' l'anno in cui Barrett supportato dai suoi compagni floydiani - impegnati nell’altro studio dell’Abbey Road nelle registrazioni della colonna sonora del film More - e da Robert Wyatt dei Soft Machine registra i suoi due album solisti: The Madcap Laughs e Barrett.
Madcap col celebre scatto in copertina di Mick Rock
- che ritrae Syd nel suo appartamento di Londra, un animale spaventato ma che ancora si atteggia da icona del mondo pop inglese -
presenta canzoni memorabili, melodie acide e a tratti svogliate.
Il suo cantautorato ispirato al poeta e musichiere beat d’oltreoceano Bob Dylan verte su un suono lo-fi, appositamente scevro di tecnicismi, lungi dagli effetti altisonanti del passato, un rumorismo via via smunto e svigorito teso verso testi ironici e introversi; come un Oscar Wilde della musica, la sua arte coincide indissolubilmente con la sua vita.
Sempre durante lo stesso anno Syd registra il secondo disco solista, l’omonimo Barrett, con in copertina un suo vecchio dipinto raffigurante alcuni insetti. Le registrazioni del secondo disco sono ancora più sofferte del primo, a causa del suo instabile stato psicofisico, ma la sua vena artistica sembra intatta, anzi fortificata a tal punto da regalarci un disco superiore al primo, una vera gemma. Il capolavoro del disco prodotto da Gilmour è Dominoes che brilla nel finale grazie all’intuizione di una chitarra lanciata in reverse, il riavvolgimento di un nastro all’inverso che simula un risucchio ipnotico su cui Barrett rovescia la melodia e la sua voce opaca registrando al primo colpo. Il risultato è sbalorditivo.

Ma oramai Barrett è solo la sagoma del ragazzo estroverso e tenace del debutto, a soli 24 anni bruciato dalle sostanze psicotrope e da un recondita e forse genetica schizofrenia o destabilizzato da una segreta epilessia, abbandona Londra per non farvi più ritorno, tranne per un breve periodo di rilancio vendite dei vecchi dischi floydiani.
Torna a Cambridge, a casa della madre. Della musica non vuole più saperne. Si dedica completamente alla pittura, la passione che l’aveva rapito quand'era adolescente. La sua regressione nell’infanzia, nel seminterrato dei tempi andati, assume le sembianze di un uomo calvo e sovrappeso. Un’altra persona.
Nel '75 i suoi compagni dei Pink Floyd, reduci dal successo planetario di Dark Side of The Moon, dedicano all’indimenticato amico l'album Wish you were here. Si sprecano le leggende su un'incursione di Syd negli studi durante la registrazione del disco e delle sue parole proferite tra la commozione dei suoi vecchi compagni.

Nell'88 la Capital pubblica una sua raccolta di inediti Opel, in cui spicca la splendida Swan Lee (silas lang) e la tribale jam session Lanky.
Nel 2005, in occasione del live aid di Londra, si vocifera di una possibile presenza sul palco di Syd accanto ai suoi vecchi amici dei Pink Floyd. Ma le voci si rivelano infondate. La stessa esibizione verrà dedicata a Syd - Comunque, stiamo facendo questo per tutti coloro che non sono qui, in particolare, naturalmente, per Syd -– queste le parole di Waters.
Esattamente un anno più tardi, il 7 luglio del 2006, Roger Keith Barrett si spegne all’età di sessant’anni a causa di un tumore. Dall’abbandono delle scene, nel lontanissimo 1970, fino alla sua morte sono trascorsi oltre trent’anni, più di tre decenni di silenzio, di qualche timida raccolta, di qualche colorata ristampa.
Oggi, a cinque anni dalla sua scomparsa, ci resta la sua magnetica figura esile dalla corvina e spettinata chioma, immortalata dal celebre fotografo Mick Rock, e soprattutto tre preziosi dischi: il lisergico ritratto della sua testamatta.
E la sua musica continua a dominare il silenzio …
luglio 05, 2011
Gioia e Rivoluzione!

Quello dell'impegno politico è decisamente un tema ricorrente nella storia della musica rock e della popular music ed è soprattutto a partire dall'esplosione delle contestazioni giovanili culminanti nel movimento del '68 che "la musica dei giovani" abbraccia la causa politica, sociale o economica. In effetti, a partire dalla canzoni di Woody Guthrie, Bob Dylan o Joan Baez, o dalla celebre I Feel Like I'm Fixin To Die Rag contro la guerra del Vietnam cantata da Country Joe Mcdonald...per arrivare a Volunteers dei Jefferson Airplane o all'attivismo di John Lennon (solo per citare i casi più eclatanti), il testo poetico delle canzoni acquista priorità nella diffusione del messaggio politico e rivoluzionario... Al contrario, nel rock-progressive europeo che fa la sua comparsa dopo il periodo più' caldo della contestazione giovanile, si è voluto spesso individuare un approccio "a-politico"... quasi che il rock-progressive fosse una musica “d'art pour l'art” solamente... Ma se è vero che la grande stagione musicale progressiva si colloca tra due periodi emblematici della contestazione sociale, vale a dire tra il 1968-69 che celebra l'avvento del rock psichedelico, e il 1977 che vede la nascita della furia distruttiva del movimento punk... occorre tuttavia rifiutare questo aspetto "a-politico" e affermare piuttosto che le modalità dell'impegno politico e sociale del rock-progressive sono differenti e più complesse, potremmo dire meno spontanee, meno dirette ma più ricercate. Dunque la latente semplicità di canzoni come Blowin' In The Wind o la celebre Freedom improvvisata da Richie Havens al festival di Woodstock nel 1969...o ancora la meno conosciuta Have a Marijuana del pazzoide David Peel o ancora la genialità “beat” delle canzoni dei Fugs, lasciano piuttosto il posto a realizzazioni musicali di maggiore respiro artistico, nelle quali sia il testo poetico che la musica stessa conquistano una significazione più complessa e allegorica, ricorrendo "alle proprietà degli specchi. alle forme speculari, in un processo creativo in cui l'artista riflette il reale selezionandolo non attraverso le sue antenne socio-culturali, bensi un vasto equipaggiamento ottico. Lenti concave o convesse o d'ingrandimento sono indispensabili per battere le anguste barriere dello spazio e del tempo, per identificare-costruire una dimensione "altra", straniante, ma che, nello stesso tempo, è capace di rispecchiare le tensioni in conflittto"**. Come quando per esempio Peter Gabriel, in The Musical Box, il primo brano dell'album Nursery Cryme dei Genesis del 1971, racconta la piccola storia fiabesca di Henry e Cynthia...facendo allusione alla repressione sessuale ancora presente con insistenza nella società borghese inglese.Ma si può' pensare ancora alle liriche complesse (di denuncia sociale ed esistenziale) di un Peter Hammill in un album come Pawn Hearts dei Van Der Graaf Generator...senza dimenticare dei casi di più chiara apertura politica come nella copertina del secondo disco dei Matching Mole Red Little Record del 1972, dove Robert Wyatt e i suoi amici si allineano con la rivoluzione culturale di Mao..con l'immagine della bandiera, del libretto rosso e di un mitra. Le stesse saghe fantastico-visionarie del pianeta Gong di Daevid Allen o del pianeta Kobaia dei Magma capitanati dal folle Christian Vander alludevano ad una “palingenesi sociale” per il futuro. Proprio la musica di queste due formazioni fu tra le più affascinanti e ricche di sfumature dell'intero movimento rock-progressive, ma, se il dadaismo di Allen era pungente, lo erano anche i teatrali racconti in kobaiano (lingua inventata "ad hoc" da Vander) circa le avventure di quel nuovo e immaginario pianeta, come si evince dall'incipit del primo e omonimo doppio disco del 1970 : “Terra, questo ti riguarda, i tuoi sistemi schiacciano e le tue rivolte uccidono: infatti tu distruggi quello che non riesci a comprendere.Noi sappiamo che anche tu sarai distrutta. La nostra musica e per la Bellezza che vuoi ignorare per colpa dell’odio con cui sei cresciuta. Aldilà dello spazio e del tempo ci aspetta un pianeta, Kobaia. Noi conosciamo questo mondo dal giorno in cui aprimmo gli occhi, milioni e milioni di anni fa. Quelli che stanno qui in basso a soffrire ci seguano.Ma l’ipocrita non speri niente!Terra! Tu sei solo un ricordo perso nell’oblio.”

Nel circuito europeo si distinguevano inoltre una serie di formazioni di grande improvvisazione al limite tra rock e avanguardia, spesso citate in relazione al cosiddetto movimento del "RIO rock"...ovvero Rock In Opposition, che annoverava le più importanti formazioni dichiaratamente allineante politicamente; ensemble storici e irripetibili come quello dei celebri Henry Cow nell' entourage della cosiddetta "Scuola di Canterbury", dei francesi Art Zoyd, degli italiani Area o ancora della svedese Samla Mammas Manna. Tutte formazioni per le quali la musica sperimentale stessa diviene, al di là del mezzo poetico...un arma di trasgressione per demolire le convenzioni politiche e sociali. Se i cavalli di battaglia degli Area come L'elefante Bianco, Gioia e rivoluzione o La Mela di Odessa* erano più esplicitamente “contro”, anche in un brano molto complesso come Living In The Heart Of The Beast degli Henry Cow, contenuto nell'album In Praise Of Learning del 1975, lo spirito d'agitazione politica già emerge chiaramente dalla corposità del processo sonoro...ma diventa palese nella sezione finale in tempo di marcia dove Dagmar Krause recita “Now is the time to begin to go forward - advance from despair, the darkness of solitary men - who are chained in a market they cannot control - in the name of a freedom that hangs like a pall on our cities. And their towers of silence we shall destroy.” “The beast” è qui chiaramente la società capitalistica occidentale...e indizi più sicuri circa l'orientamento ideologico degli Henry Cow ci vengono forniti dalla bella copertina dell'album Western Culture dove nel variopinto di una composizione astratta emerge in primo piano una lampante e rossa "falce e martello". Ma ancora prima della grande stagione progressiva europea...un disco come quello della Liberation Music Orchestra di Charlie Haden fu lavoro di notevolissimo spessore artistico e di grande valenza rivoluzionaria. Per la realizzazione dell'album Charlie Haden coinvolse nel 1969 un incredibile collettivo di musicisti dell'orbita free-jazz come Andrew Cyril, Gato Barbieri, Don Cherry, Roswell Rudd, Paul Motian, Carla Bley (autore di buona parte delle composizioni e degli arrangiamenti)e Michael Mantler... dopo che l'idea del progetto gli venne dopo aver ascoltato per la prima volta le canzoni della Guerra Civile Spagnola combattuta tra il 1933 e il 1936 e che porterà alla dittatura franchista. Nel disco sono perciò interpretati secondo un approccio decisamente improvvisativo la canzone Song Of The United Front e soprattutto le famose El Quinto Regimiento, Los Quatros Generales e Vive La Quince Brigada, canzoni tra le più invocate della guerra e quasi tutte concernenti l'estrema difesa di Madrid. Si tratta di canzoni popolari molto antiche che il grande poeta andaluso Federico Garcia Lorca (ucciso proprio dai franchisti durante il conflitto) aveva cercato di recuperare in maniera filologica e che riprendono le stesse melodie antiche, ma con testi modificati e aggiornati alle esigenze belliche. Il collettivo guidato da Charlie Haden e Carla Bley interpretava dunque queste canzoni secondo il modello delle bande musicali popolari spagnole degli anni '30 con l'inserzione originale di sezioni di sperimentazione libera che rendeva il sound ancora più drammatico e coinvolgente...con il grandissimo e fondamentale apporto delle suggestive performances soliste di Gato Babrbieri e Don Cherry, che donano un tocco d'immensa spiritualità alle canzoni. Il disco non voleva essere però un semplice omaggio alla tragedia spagnola...ma lontano da questa prospettiva si propose di trasmettere un messaggio di speranza generale per l'avvento di un mondo più giusto...nel quale fossero abolite tutte le dittature, le guerre, la povertà e tutte le forme di violenza. Trovano così spazio in questo assoluto capolavoro del free-jazz americano anche una versione di War Orphans scritta dal grande Ornette Coleman, Circus '68 '69 composta dallo stesso Haden in relazione alla guerra del Vietnam e soprattutto la splendida e devastante Song For Chè sempre firmata da Haden...una lunga composizione che riprende il tema della canzone Hasta Siempre Comandante Che Guevara cantata da Carlos Puebla e dedicata alla partenza del Che per la spedizione in Bolivia. Del resto proprio l'America Latina, in virtù della sua delicata fase storica, era tra i focolari principali dell'impegno politico musicale...con il cuore andino divulgato dagli Inti-Illimani, la protesta esemplare di Victor Jara e Violeta Parra, il "pan-americanismo" del solito Gato Barbieri o ancora le turbolenti vicende che porteranno, in Brasile, all'esilio di Gilberto Gil, Caetano Veloso e Chico Buarque. E mentre in Africa il "ritmo cosmico" dell'afrobeat di Fela Kuti rappresentava l'ala più eversiva della contro-cultura mondiale, in India la musica di Ravi Shankar fu il giusto parallelo sonoro dell'eredità "non violenta" di Ghandi. La Liberation Music Orchestra rimane comunque rappresentativa di un raggiunto vertice di rara poesia musicale e d'impegno politico...veicolante un'alternativa immagine sociale e una poetica di ricerca che tanto influenzerà la "Libera improvvisazione" e il rock progressive europei. Anche le formazioni già citate degli Henry Cow, degli Area e degli Art Zoyd mostreranno un indubbio debito nei confronti di un approccio free...di una modalità di pensare alla musica in termini di messaggio sociale ma attraverso forme d'arte più informali e spirituali...potremmo dire inconscie e cariche di mistero... dove il "melange" sonoro riflette i "colori dell'anima" come nella pittura di Kandiski o di Pollock... e permette, con gioia, un'espressione totale di emozioni e sentimenti che contemplano un universo migliore.
Joan Baez
Country Joe & The Fish
David Peel
The Fugs
First Album 1965
Matching Mole
Red Little Record 1972
Gong
Magma
Magma 1970 (2lp)
Legend 1973
Area
Art Zoyd
Samla Mammas Manna
Maltid 1973
Charlie Haden
Gato Barbieri
Inti-Illimani
Victor Jara
La Poblacion 1972


*La Mela di Odessa

Dedicato alla Spagna e ai suoi giovani in lotta!
luglio 02, 2011
Forever Alone
Cluesweeper

Gameplay: circa 20 minuti (story mode), ma c'è anche la modalità endless
Pro: abbastanza divertente
Contro: abbastanza facile!
Controlli: Mouse e cervello
Quando indovina chi? incontra campo minato
Cazzeggia!
Armor Logic 2
Gameplay: Sono disponibili centinaia di rompicapi differenti
Pro: immediato
Contro: abbastanza difficile!
Controlli: Mouse e cervello
Vagamente un sudoku ma un po' più frocio
Cazzeggia!
The Adventures of Red
Gameplay: 30 minuti
Pro: vario
Contro: grafica abbastanza scarsa
Controlli: Mouse e cervello
Una serie di enigmi dividono il nostro pulcino faccia di cazzo ed un muffin.
Cazzeggia!
giugno 30, 2011
5 pezzi facili
Hugh Masekela - Kaa ye oya (Introducing Hezdoleh Soundz, 1973)
Cassiber - Six rays (Beauty and the Beast, 1984)
Tom Zè - Ma (Estudiando o Samba, 1975)
Annexus Quam - Osmose II (Osmose, 1970)
David Bromberg Band - Midnight on the water (Midnight on the Water, 1975)
giugno 26, 2011
Folk Bottom vol.2 - Femmes Fatales


Nel caleidoscopico mondo musicale a cavallo tra la fine degli anni Sessanta e l'inizio dei Settanta, caratterizzato da novità sonore sempre più affascinanti e sorte sullo sfondo di un clima di contro-cultura giovanile pieno di freschezza creativa tanto nel continente europeo che quello americano, non poteva certo mancare il sorgere libero, autonomo e puro delle voci femminili. Sempre più frequentemente nascevano infatti formazioni d'ambito rock che delegavano alla donna e non all'uomo il difficile compito d'incantare gli spettatori con il potere lirico della voce...racchiuso in un accurato rapporto tra testo e musica...o volante verso possibilità espressive e timbriche svincolate da più consuete e canoniche forme cantate. Basti pensare all'intesità performativa della coppia Slick-Joplin nella baia di S.Francisco, o di voci potenti ed incisive come quelle di Renate Knaup(Amon Duul II) e Dagmar Krause (Slapp Happy e Henry Cow) nell'underground europeo. Ma di certo di "femmes fatales" ve ne furono tante, che, più affermate o misconosiute, riuscirono comunque a incidere in maniera decisiva sul sound particolare delle loro band d'appartenenza. Tra i sentieri del folk-psichedelico, o vuoi più evasivo e sognante, volendo tralasciare le voci che ricamavano con dolcezza o maggiore pathos composizioni mirabili, nate però dal frutto maturo di una più ampia collaborazione all'interno del gruppo, si distinsero progetti solistici fantastici, che ascoltati ancora dopo quasi quaranta anni, non vedono perduti per nulla non solo la loro unicità, ma anche la loro attualità, dovuta ad una perenne influenza esercitata sulle nuove generazioni. Nel clima del "folk revival" inglese degli anni Sessanta, Shirley Collins prima, Anne Brigs e Maddy Prior poi, furono le interpreti principali del recupero di un repertorio musicale legato alla "terra madre" delle culture contadine; recupero tanto più importante in un paese come la Gran Bretagna che vide nella sua storia un' industralizzazione precoce. Fu però la magica voce di Sandy Denny a scaturire una compiuta rinascenza del folk britannico. Tuttavia, nonostante il suo talento divino, la voce storica dei Fairport Convention non visse mai una esistenza felice e la sua arte fu incompresa da critica e pubblico al pari di altri "geni" del tempo (Nick Drake e Tim Buckley su tutti). La sua musica alterna momenti elegiaci e spenseriati, sullo sfondo però di una maledetta "nostalgia", base fatale del suo continuo abuso di alcool e di droghe che la porteranno inevitabilemente ad una morte giovane, avvolta però nel mistero e nella leggenda. I suoi lavori sono tutti godibilissimi; su tutti l'omonimo Sandy del 1972 che contiene la celestiale versione della tradizionale The Quiet Joys Of Brotherhood, ma da non trascurare neanche le collaborazioni con gli Strawbs e il progetto Fotheringway. D'origini inglesi è anche Vashty Bunyan che plasmò lo spirito luminoso insito in Just Another Diamond Day del 1970. Con precoci doti pittoriche e musicali Vashty, come tanti cantanti dell'epoca, scoprì la musica di Dylan in un viaggio a New York e al suo ritorno entrò nell'orbita della comune fondata da Donovan dove scrisse il materiale del disco e conobbe il celebre produttore Joe Boyd (Incredible String Band, Fairport Convention, Nick Drake, Dr.Strangely Strange etc). Delusa dalla debole accoglienza ricevuta dal disco, la Bunyan si ritirerà subito dalle scene per tornarci soltanto nel 2005 con un ennesima buona prova solista (Lookaftering) e con una collaborazione con i "folk-tronici" Animal Collective (Prospect Hummer). L'altra grande protagonista del folk-visionario britannico sarà la poco conosciuta Bridget St.John, apprezzata per i toni intimistici e introspettivi di Ask Me No Question del 1969 e Songs For The Gentle Man del 1971. Anche la Francia d'altronde, al pari della Gran Bretagna, visse un'intensa stagione di revival-folk, soprattutto rispolverando le sue radici più celtiche e medievali, come testimoniarono formazioni quali Malicorne e Lyonesse. Mentre Alan Stivell riportava in auge l'arpa celtica e Veronique Chalot rivisitava efficacemente temi popolari dell'intero folklore francese, vi erano tuttavia due vere "outsiders", due donne davvero fuori dal comune che ben rappresentarono i vertici di un originale e suggestivo folk-d'avanguardia. Catherine Ribeiro e Brigitte Fontaine veicolarono al meglio l'immagine ideale di cantautrice-poetessa-attrice "fatale" con una musica dai toni cupi e onirici e aperta a differenze influenze. La produzione discografica della Fontaine fu tuttavia legata piuttosto a quella della musica leggera francese che allora celebrava le gesta del "bohemienne" ribelle Gainsbourg.


Tuttavia Brigitte fu responsabile del capolavoro Comme à la radio del 1970, con l'incredibile supporto dell' Art Ensemble Of Chicago; un disco denso, complesso, dove gli elementi folk si fondono con jazz, sapori esotici e lirico-onirici, secondo una poetica più vicina allo spiritualismo etnico di Don Cherry che alla facile amorevolezza della "chanson" francese. Un medesimo coefficiente di oniricità-ancestrale lo troviamo nelle salmodianti doti recitative della Ribeiro, supportate dalla bravura strumentale del gruppo degli Alpes, per un risultato di drammatico folk-rock-progressivo. Dopotutto gli orizzonti sonori della Ribeiro erano gli stessi che Nico, dall'altra parte dell'oceano, e reduce dall'esperienza Velvet Underground, stava sondando con il costante aiuto agli arrangiamenti di John Cale; sodalizio che vide forse, con Desertshore del 1970, la massima felicità visionaria. Caso isolato quello di Nico negli Stati Uniti, se si pensa che le grandi voci femminili, per quanto incantevoli, rispondevano ai nomi di Mimi Farina, Joan Baez, Judi Collins, Carole King o Laura Nyro, volte su un versante più convenzionale o comunque lontani da presupposti più esplorativi. Diversa però fu la natura sognatrice di Joni Mitchell, emergente soprattutto nel magnifico Blue del 1971, come anche quella di Linda Perhacs nell'unico, ma notevole e allucinato album Parallelograms del 1970. Joni, canadese di nascita ma californiana d'adozione, rimane comunque tra le interpreti più raffinate del suo tempo con la sua indimenticabile performance al Festival dell'isola di Wight del 1970 dove coinvolse il pubblico con la celebre Woostock e Big Yellow Taxi, entrambe incluse nell'album Ladies Of The Canyon del 1970.La Mitchell continuerà il suo discorso emozionale per tutti i Settanta fino ad orientarsi, a partire da Mingus del 1979, anche verso un jazz morbido di grande qualità. Ed anche in Brasile non mancarono "femme fatales"... una di queste fu Joice che nel 1972 realizzò un omonimo album con Nelson Angelo, (reduce dai Clube Da Esquina di Lo Borges e Milton Nascimento), che dimostrò come il "tropicalismo" nient'altro fu che sogno, inconscio, amore e mistica fantasia di una nuova stagione culturale la cui importanza non tramonterà mai.



Discografia
Shirley Collins & Albion Country Band / No Rose 1971
Sandy Denny
Vashti Bunyan
Just Another Diamond Day 1970
Bridget St. John
Brigitte Fontaine
Comme à la radio 1970
Catherine Ribeiro & Alpes
Nico
Joni Mitchell
Linda Perhacs
Parellelograms 1970
Nelson Angelo & Joice
Nelson Angelo & Joice 1972
giugno 25, 2011
Forever Alone
Haunt the House
Gameplay: circa 20 minuti
Pro: Divertente, ricercato, per tutta la famiglia
Contro: Breve (ma intenso)
Controlli: Freccette e barra spaziatrice.
Usa il fantasmino del cazzo per possedere gli oggetti della casa e liberati di tutti i visitatori!
Cazzeggia!
giugno 23, 2011
BLACK SABBATH - Paranoid (1970)





